THE CONTE SESSIONS

MUDANÇA!

2008-02-10T11:23:00.001-08:00

Amigos leitores,

O The Conte Sessions está de mudança. A partir de agora, só no novo endereço:

http://thecontesessions.wordpress.com

Ainda não está tudo pronto, mas já dá pro gasto.

Abraços!

She is just fifteen and you should know what I mean

2008-02-08T12:16:00.000-08:00

A verdade é que a lição de McLuhan nunca foi tão válida. O meio é a mensagem, e as implicações desse conceito são cada vez mais profundas. De resto, como explicar a multidão que lotou o Milo ontem para ver o show de uma garota que tinha aberto um show do Vanguart e botado quatro canções no MySpace?

Se a esse ponto o nome Mallu Magalhães não diz nada pra você, saia da bolha. A moça (que você já sabe que tem 15 anos e tudo o mais) já apareceu na TV, no jornal, no rádio, em trocentos blogs e conta, às 17h54 do dia 8 de fevereiro, 120.390 execuções de suas músicas no site – 3.532 só hoje. A multidão já caiu no maniqueísmo barato do choque entre “o fenômeno que balançou o mundo indie” – seja lá o que isso significa – e “muito barulho (ou ‘muito hype’, já que é hype falar ‘hype’) por nada”. Mas e aí, qual é a real?

A real é que deter-se única e exclusivamente sobre a música de Mallu é cair numa frieza asséptica travestida de razão desmistificadora. Sim, ela é uma compositora talentosa que já mostrou que sabe trabalhar muito bem em cima de suas referências – e que belas referências, diga-se. Segurou a bronca de um Milo literalmente lotado, quase uma arena de briga de galo (com gente ávida por sangue, não duvidem).

Impressiona, de cara, a desenvoltura que ela esbanja frente a tanto assédio e tantas coisas ditas a seu respeito. Nada, porém, que surpreenda. Por quê? Pela simples razão de que Mallu é de verdade. Esbanja (se é que se pode usar o termo “esbanjar” para alguém aparentemente tão sossegada com tanto barulho) despretensão. Não é um produtinho empurrado goela abaixo por uma gravadora qualquer atrás de cifrões das mesadas dos jovens que se “identificariam” com ela. Aliás, falar em “gravadora” nesse caso já é olhar pra frente...

Veja Mallu no palco e perceba o quanto essa garota esperta e com ares de hiperatividade parece estar se divertindo. Rock’n roll não é, ou deveria ser, isso?

Se ela tivesse dez anos a mais não estaríamos discutindo nada disso e esse post seria sobre o Beirut, o Panda Bear ou qualquer outra coisa. Mas ela não tem, e aos 15 anos nem esse colunista nem você estávamos fazendo música dessa qualidade, nem muito menos lotando uma festa da Peligro. Só isso já a coloca quilômetros à frente de boa parte do que toca nas rádios e nos canais que costumavam tocar música e que hoje apostam em programas imbecis para jovens imbecis.

(Foto: Roubada do orkut de Mallu)

Ska ska ska!

2008-02-07T12:33:00.000-08:00

O colunista admite que anda relapso, mas garante que está em franco processo de regeneração. Não desistam do blog!

Enquanto isso, um clipe entre os mais queridos deste colunista. A Message to You, Rudy, dos The Specials. Singeleza, suingue e muito - muito - estilo. Com direito até a solo de trombone. Uma jóia entre outras belas canções da banda; Gangsters, Ghost Town e Too Much Too Young são alguns dos maiores clássicos do ska.

Os Specials provaram que música e militância podem andar juntas e redundar em algo divertido. Bem divertido.

Beleza que dói

2008-01-25T15:41:00.000-08:00

Há exatos 30 anos a Joy Division fez seu primeiro show com este nome (após abandonar o antigo "Warsaw", na discoteca Pips, em Manchester. Com a palavra, Deborah Curtis:

"(...) Tocaram o que pareceu muito pouco tempo para um público que finalmente aderira à aura especial da Joy Division. Eu estava sentada no alto das escadas sobre a pista de dança e reparei num fã que correu à frente do palco e apanhou rapidamente uma lista caída dos temas, escrita nos grandes rabiscos de Ian. Achei graça ao facto de alguém querer coleccionar aquilo quando só tinham pago sessenta libras à banda para tocar." *

Era o início de um vôo intenso e curto - em termos de "vida" da banda. A mitologia acerca da banda, porém, só cresceria com o passar dos anos. A poesia rasgada e doída de Ian Curtis é universal, atemporal, pois toca a essência de qualquer um que tenha um arremedo de coração.

Nossas frustrações são do tamanho dos nossos sonhos. Ou da ausência deles.

* Deborah Curtis, Carícias Distantes. Lisboa: Assírio & Alvim, 1996.

La Moreau

2008-01-23T08:09:00.000-08:00

Hoje, nada de rock. 80 anos de vida. 60 de carreira.

Joyeux Anniversaire, Mme. Moreau!

(Foto: Reprodução)

"Meu nome é Tony eu construí um instrumento!"

2008-01-18T10:06:00.000-08:00

Ler este post não vai fazer a menor diferença na sua vida. Ainda que você não seja obtuso o suficiente para clicar no link do My Space e tentar entender por ali o que estou falando, o lance é que vou lhe dar um bom motivo para que me demitissem, se isso fosse um emprego e eu não fosse meu “chefe”.

Simplesmente não é possível colocar em palavras a experiência da noite de ontem, num Milo razoavelmente lotado (e com a habitual competência e elegância sonora do Centro Cultural Batidão). Era Tony da Gatorra, com um show para – por mais paradoxal que isso passe a soar ao longo do texto – dar um chute no traseiro na mesmice de indiezinhos que se reproduzem à exaustão e bandinhas cariocas metidas a engraçadinhas.

Nada te prepara para ele; e olha que te falam um bocado. “É pós-punk”, diz alguém. “O Daniel Johnston brasileiro”, fabulam. E de repente um senhor com ares de hippie véio, de longos cabelos grisalhos, muito lisos, que até então estava distribuindo sorrisos entre fascinados interlocutores, quase nenhum com mais de trinta anos, se dirige ao palco improvisado, rés-do-chão, e começa a colocar roupas e apetrechos. Colares são distribuídos (há dois músicos o assessorando), roupas coloridas. Um ar “hippie-kitsch” (diria Vânia Goy) domina a cena.

A platéia distribui-se em sucessivos círculos concêntricos. Nos da frente, o que parece ser uma legião de fãs fiéis. Devotados, aparvalhados, fundamentalistas e irracionais como só os verdadeiros fanáticos por algo ou alguém podem ser. E há moleques fantasiados, barbudos ensimesmados, garotas magrelas vestidas de preto, tiozões com pinta de ex-hippies hoje aburguesados. É tão democrático que chega a ser ademocrático – é a negação da democracia. É a negação de qualquer forma de poder, hierarquia ou gestão por instância superior. É a exaltação plena da idéia de liberdade.

Tony tira seu sustento do conserto de aparelhos eletrônicos em Esteio, “a Osasco de Porto Alegre”. Envolvido com as bandas locais desde a década de 60, queria ser músico e botar pra fora o que passava por sua cabeça – e coração. E o que ele fez? Criou um instrumento: a gatorra. Aqui também me declaro incapaz de descrevê-lo. Pare de tentar se convencer de que essas bandinhas que se revezam entre as boates da cidade têm alguma importância e vá ver o Tony. Esse é um cara que vai fazer algum sentido.

Tony é pós-punk. É o Daniel Johnston brasileiro. É o creme resultante de Raul Seixas, Alan Vega, Arthur Lee, Sonic Youth e DNA batidos num liquidificador. É um Messias da não-música. Um Antônio Conselheiro. Um xamã, um chefe Apache. E também não é nada disso. Não vem de lugar nenhum, nem aponta tendências. É um ponto fora da curva. Um negativo de uma canção rodada ao contrário. Um anti-artista.

É como as pinturas de Magritte. Pense em O Império das Luzes, pense em Dois Mistérios – essa é a música de Tony da Gatorra. Uma poesia que se ancora em outras referências. O cerne de sua música não é a tradição. Sua essência se conecta com a ancestralidade. É essa a beleza que não está ao alcance da (muitas vezes aparentemente inexistente) sensibilidade dos sete ou oito idiotas de plantão que estão lá para rir e fazer chacota. Deus está nos detalhes, e idiotas não são capazes de apreender detalhes.

Se a idéia de ser “importante” não estivesse tão distante dos anseios de Tony ele talvez concordasse quando digo que ele é um profeta do óbvio. Em um mundo míope, só a pureza absoluta de propósitos é capaz de nos mostrar o que está a um palmo de nosso nariz. E, afinal, é o que está imediatamente à frente que nos faz tropeçar. Ele funciona como um catador de pedrinhas a mostrar um caminho menos doloroso para nossos pés.

Em última instância, o que unia um grupo tão heterogêneo numa noite chuviscosa de quinta-feira era a condição humana inerente a todos ali. E é justamente sobre isso que Tony está falando. Amor, paz, vida, luz. Seus signos não são novos para ninguém. O que importa não é o que ele diz, mas como ele diz.

Vá a um show de Tony e enxergue a beleza que está na crueza daquilo tudo. Veja como as gatorras parecem cintilar como os peixinhos dourados de Aureliano Buendía. Seus discos vão fazer outro sentido.

(ps: lamento profundamente não ter feito fotos no show de ontem. Se alguém tiver e se dispuser a cedê-las, ficarei extremamente agradecido)

(Foto: Divulgação)

It's all about fucking

2008-01-14T12:04:00.000-08:00

A verdade é que Freud estava certo: é tudo uma questão de sexo. Olhe para essa sociedade doente, míope e superficial que nos circunda (E aqui sem moralismos! A coluna nada tem contra o sexo; aliás, tem tudo a favor) e constate. Há falos por todos os lados. Fama, dinheiro, status, poder – é tudo sobre conseguir mais e mais sexo.

À parte a questão, digamos, técnica – o nível excepcional de seus integrantes e seu carisma magnético –, é possível observar e utilizar o caráter simbólico para explicar porque os Rolling Stones são a maior banda de rock da história. O fato é que os Rolling Stones são essencialmente uma banda que fala sobre sexo, que transpira sexo, que vive pelo sexo.

Deborah Curtis, no livro Carícias Distantes, conta que seu falecido marido Ian Curtis, a alma do Joy Division, dizia que gostava dos Rolling Stones para se aproximar de uma turma de rapazes mais velhos. “Era viril gostar mais dos Rolling Stones do que dos Beatles”, escreve. É exatamente isso.

Ouça December’s Children (and everybody’s), obra-prima lançada em 4 de dezembro de 1965. Sinta como o grupo soa másculo, dos vocais empedernidos de Mick Jagger à bateria marcada e suingada de Charlie Watts (uma verdadeira aula de como um baterista pode soar forte sem precisar – nem de longe – ser performático). Um furacão.

A banda esbanja desfaçatez, em canções poderosas como Talkin’ About You, I’m Free e a clássica Get Off Of My Cloud. Se não apresenta o porte e a segurança que vai atingir nos anos 70, compensa com o ímpeto e a agressividade da juventude. É a época em que o sangue negro escorre sem obstáculo pelas veias dos Stones. Brian Jones está lá, com suas guitarras impertinentes. Fã declarado de Robert Johnson, dividia uma paixão fervorosa pelo blues com o colega e amigo (condição esta que destoava da relação com o resto da banda em seus últimos meses de vida, em 1969) Keith Richards, o que marcou profundamente o som do grupo nessa fase.

E, convenhamos, foi uma semana e tanto para a música. Um dia antes, em 3 de dezembro de 1965, os Beatles lançaram Rubber Soul, o disco que começa a transparecer a mudança de rumos da banda para paragens mais ousadas (basta dizer que o disco anterior é Help!, não exatamente um primor em termos de novidade e consistência, que dirá de genialidade). O terreno começava a ser preparado para Revolver e a grande revolução de Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band.

A sensibilidade de Deborah Curtis se mostrou muito bem apurada. Enquanto Paul e John cantavam “Baby, you can drive my car”, Jagger não saía por menos de um “I’m free to do what I want any old time” ou “Yeah, I’m moving on / I’m through with you / Too bad you’re blue / I’ll move on”. Sacou a diferença?

Da série "Falando com propriedade"

2008-01-07T11:54:00.000-08:00

Aos roqueiros, indiessauros e pessoas com bom senso de plantão, aqui vai um recadinho.

Se você tem amor ao seu bolso, não está afim de agüentar vendedores de má vontade (e, não raro, petulantes) e quer ser atendido por alguém que já ouviu falar do Felt ou do Arthur Lee, tenha uma coisa em mente:

QUEM TEM NUVEM NOVE NÃO PRECISA DE MODERN SOUND.

All we need is love

2008-01-04T09:21:00.001-08:00

Para começar o ano quebrando a tradição das sextas-feiras, hoje nada de set list. Na responsa de primeiro post do ano, uma das jóias de uma banda que não tem vergonha de se derramar ao falar de amor.

Como escreveu o mestre George Orwell, “Nesses tempos de decepção universal, falar a verdade é um ato revolucionário”. Pois que façamos a nossa revolução ao passar o café da mulher amada todas as manhãs. Hakim Bey nunca foi tão necessário.

Menos Bush, Bin Laden e Olmert. Mais Teenage Fanclub, Arcade Fire e Love.

Por um 2008 mais hippie!

The Concept
Norman Blake

She wears denim wherever she goes
Says she's gonna get some records by the Status Quo
Oh yeah... Oh yeah...

Still she won't be forced against her will
Says she don't do drugs but she does the pill
Oh yeah...Oh yeah...

I didn't want to hurt you
Oh yeah...

Says she likes my hair 'cause it's down my back
Says she likes the group 'cause we pull in the slack
Oh yeah... Oh yeah...

When she's at the gig she takes her car
And she drive us home if it is in a bar
Oh yeah... Oh yeah...
I didn't want to hurt you

Oh yeah...

(Foto: Lisboa, 25 de abril de 1974 - Reprodução/galiziacig.org)

FÉRIAS!

2007-12-22T16:55:00.000-08:00

Este colunista está de férias até o dia 3 de janeiro. Deve pintar uma coisinha ou outra por aqui, mas num caráter de bonus posts...

Boas festas a todos! E que venha 2008 e, oxalá, Bob Dylan, Rage Against The Machine, The Cult, Interpol e toda a tchurma.

When the rain comes (and doesn't go away)

2007-12-14T12:08:00.000-08:00

Um set list afinado com o teimoso mau humor metereológico que insiste em não se mandar. Levantando a alma, porque ninguém é de ferro.

Alguns dos melhores do ano, os clássicos de sempre e, como de praxe, um ou outro xodó.

(Ok, tem que se admitir: o colunista acordou nostálgico hoje.)

JUSTICE – D.A.N.C.E.
DELTA 5 – MIND YOUR OWN BUSINESS
BLONDE REDHEAD – 23
ORCHESTRAL MANOEUVRES IN THE DARK – ELECTRICITY
ECHO & THE BUNNYMEN – RESCUE
THE BEATLES – RAIN
CAT POWER – LOVE AND COMMUNICATION
VELVET UNDERGROUND – I’M WAITING FOR THE MAN
LOS CAMPESINOS – FRONTWARDS
LCD SOUNDSYSTEM – ALL MY FRIENDS

Rest in peace, Mr. Turner

2007-12-12T17:49:00.001-08:00

Eles viveram literalmente "entre tapas e beijos". Mais tapas que beijos, ok. Mas a verdade é que Ike e Tina Turner foram uma das duplas mais explosivas das décadas de 1960 e 70. Sexo, drogas e rock'n roll foram o tripé incendiário do coquetel molotov que foi esse casamento - artístico e romântico.

Nascido em 5 de novembro de 1931 em Clarksdale, Mississipi, Ike Wister Turner contava ter se casado 14 vezes (publicamente notórios, porém, "só" quatro). Litros e litros de uísque y otras cositas más o levaram a problemas com a polícia algumas vezes (sem contar nos safanões na esposa). Não era homem de levar desaforo pra casa.

Sua música não poderia deixar de ser essa verdadeira pulsão de paixões arraigadas e violentas. Cantou soul, blues, rock e funk com o coração na boca.

Ironia? Morreu hoje dormindo, nadando na tranqüilidade que nunca conseguiu ter em vida.

Noel, o poeta de Manchester

2007-12-10T11:59:00.001-08:00

Esse post dá início à pomposa série Os Versos Mais Geniais da História do Rock. Em destaque, o dito cujo em questão:

Some Might Say
Noel Gallagher

Some might say that sunshine follows thunder
Go and tell it to the man who cannot shine
Some might say that we should never ponder
On our thoughts today cos they will sway over time

Some might say we will find a brighter day
Some might say we will find a brighter day

Cos I've been standing at the station
In need of education in the rain
You made no preparation for my reputation once again
The sink is full of fishes
She's got dirty dishes on the brain
It was overflowing gently but it's all elementary my friend

Some might say they don't believe in heaven
Go and tell it to the man who lives in hell
Some might say you get what you've been given
If you don't get yours
I won't get mine as well

Some might say we will find a brighter day
Some might say we will find a brighter day

Cos I've been standing at the station
In need of education in the rain
You made no preparation for my reputation once again
The sink is full of fishes
Cos she's got dirty dishes on the brain
And my dog's been itchin'
Itchin' in the kitchen once again

Some might say
You know what some might say

Essa canção foi o primeiro single do álbum (What’s The Story) Morning Glory?, o segundo do Oasis, lançado em 2 de outubro de 1995. Escrita por Noel Gallagher, foi a primeira música do grupo a atingir o topo das paradas inglesas.

Noel em momento genial. Não acham?

Pés-de-valsa do mundo, uni-vos!

2007-12-07T09:32:00.000-08:00

Tire a legging, o Ray-Ban e o chicote do armário: o set de hoje vai do psichobilly à new rave em minutos.

Esquizofrenia é a alma do negócio. Let’s fight for our right to party, damn!

REVEREND HORTON HEAT – 400 BUCKS
THE CRIBS – THE LIGHTS WENT OUT
THE CRAMPS – BIKINI GIRLS WITH MACHINE GUNS
FOGHAT – SLOW RIDE
FRANZ FERDINDAND – TELL HER TONIGHT
KLAXONS – GRAVITY’S RAINBOW
JUMBO ELEKTRO – RUN, RUN, RUN!
BEASTIE BOYS – GIRLS
GARY NUMAN – CARS
NEW RAVE KIDS ON THE BLOCK – VIVIAN THE WHORE NEXT DOOR

Lips like... sugar?

2007-12-06T11:00:00.000-08:00

Just Like Honey

Listen to the girl
As she takes on half the world
Moving up and so alive
In her honey dripping beehive
Beehive
Its good, so good, its so good
So good

Walking back to you
Is the hardest thing that
I can do
That I can do for you
For you

Ill be your plastic toy
Ill be your plastic toy
For you

Eating up the scum
Is the hardest thing for
Me to do

Just like honey

Uma canção sobre sexo oral? Pode ser. Mas diz muito sobre o amor. E viva The Jesus and Mary Chain!

(O colunista dedica esse post a todos os leitores apaixonados)

Uma viagem espacial com gosto de bourbon na boca

2007-12-05T13:05:00.000-08:00

Eles são perturbados. Doentios. Frenéticos. Paranóicos. Lisérgicos. Chapados. Ninguém normal consegue ouvir um disco inteiro do 13th Floor Elevators e entrar naquilo. Há tanto ácido correndo nas veias daquelas canções que ouvir um álbum como The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators é uma jornada, uma viagem por uma obra errática e de feridas abertas.

Foi no Texas de meados da década de 1960 que os Elevators surgiram. Com uma pegada de riffs diretos, atmosferas delirantes e vocais transtornados, fazem um som que sintetiza a psicodelia ligada às experiências com maconha e LSD e o passado blueseiro dos Rolling Stones, num arco que remete a gente como Bo Didley, Muddy Waters e Howlin’ Wolf.

Rory Erickson, o autor de You’re Gonna Miss Me – lançado por sua banda anterior, o The Spades, em 1965, tornaria-se um grande hit dos Elevators no ano seguinte –, foi chamado pelo “percussionista” Tommy Hall (assista o vídeo e entenda as aspas) para assumir os vocais do grupo. Era o frontman perfeito, e logo a banda estaria embalando os porres dos garotos que eram enviados para morrer nas selvas do Vietnã, Laos e Camboja.

As drogas são elemento fundamental na compreensão do rock’n roll do 13th Floor Elevators, não só do ponto de vista sonoro: Erickson seria preso seguidas vezes por porte e acabaria internado num hospital do governo para reabilitação, ainda antes do fim da década. Reabilitado, porém, é o que ele menos foi. Logo viraria um mito – em menor escala, evidentemente – na linha de um Syd Barrett.

The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators pode ser visto como o casamento dos vôos apolíneos das trips de ácido com o espírito dionisíaco pé-no-chão e dolorosamente humano do blues. As melodias suingadas da guitarra de Stacy Sutherland, não raro num flerte aberto com a surf music, são o fiel dessa balança.

A definição nietzscheana encontrada em O Nascimento da Tragédia define muito bem esse jogo de contrastes intrinsecamente ligados que, com o sabor de velhos amplificadores valvulados Marshall, pinta todas as cores dos Elevators:

“(...) A seus dois deuses da arte, Apolo e Dionísio, vincula-se a nossa cognição de que no mundo helênico existe uma enorme contraposição, quanto a origens e objetivos, entre a arte do figurador plástico, a apolínea, e a arte não-figurada da música, a de Dionísio: ambos os impulsos, tão diversos, caminham lado a lado, na maioria das vezes em discórdia aberta e incitando-se mutuamente a produções sempre novas, para perpetuar nelas a luta daquela contraposição sobre a qual a palavra comum 'arte' lançava apenas aparentemente a ponte; até que, por fim, através de um miraculoso ato metafísico da 'vontade' helênica, apareceram emparelhados um com o outro, e nesse emparelhamento tanto a obra de arte dionisíaca quanto a apolínea geraram a tragédia ática. (...)”

Entre na onda dos caras. A viagem vale a pena.

(Foto: Reprodução)

Livre!

2007-12-04T12:48:00.000-08:00

Este colunista finalmente entregou seu trabalho de conclusão de curso. Em homenagem ao atual estado de espírito, uma pequena jóia do fundo do baú:

Agora o blog voltará a honrar o "diariamente" da definição aí em cima.

Olé, toro!

2007-11-28T06:29:00.000-08:00

Clipe novo do White Stripes rolando! É Conquest, o mais novo single do álbum Icky Thump.

Maluquice de primeira linha. Meg soa violenta e niilista, parecendo descarregar em sua bateria "todas as dores do mundo". A guitarra de Jack é suja e guarda um pedantismo adolescente, quase ofensiva. E o trompete garante uma ironia de mariarchi canastrão, um ar de road movie b rodado no Novo México.

É mais um grande cover de uma banda que já fez maravilhas com canções de Robert Johnson (Stop Breaking Down), Burt Bacharach (I Just Don't Know What To Do With Myself), Dolly Parton (Jolene) e Captain Beefheart (China Pig), dentre tantos outros.

Conquest foi escrita por Corkey Robbins nos anos 1950 e encontrou o sucesso na deliciosa versão de Patti Page, uma garota jeca de Oklahoma que foi alçada rapidamente ao estrelato e se tornou a cantora que mais vendeu discos nos EUA naquela década. Ela mostrou que a country music também podia ser cool e embalar as noites em que Kevin Arnold e Winnie Cooper namoravam dentro do carro, no alto da colina.

Dois botões podiam acabar com o mundo a qualquer momento – um na Casa Branca e outro no Kremlin. Mas que era um lugar menos perigoso para se viver, ah isso era.

Pedra que rola não cria limbo

2007-11-26T05:18:00.000-08:00

(O post de hoje é auto-suficiente)

Isso é rock'n roll.

Se joga, nêga!

2007-11-23T07:30:00.000-08:00

E chegou a sexta-feira!

Já disse Ricardo Pulido, o filósofo-vascular mais descolado da zona oeste, que “melhor que seguir tradições é criá-las”. Assim, dá-lhe mais um pequeno set list para embalar sua tarde na firrrma ou onde quer que seja.

Mesmo esquema da semana passada: novidades, um ou outro xodó e alguns clássicos. Too romantic? Talvez...

Get on your dancing shoes e vambora!

TALKING HEADS – LIFE DURING WARTIME
THE RUMBLE STRIPS – GIRLS AND BOYS IN LOVE
SUBURBAN KIDS WITH BIBLICAL NAMES – SEEMS TO BE ON MY MIND
DAVID BOWIE – YOUNG AMERICANS
THE CLASH – THE MAGNIFICENT SEVEN
MACEO PARKER – PASS THE PEAS
JAY-Z – ROC BOYS (AND THE WINNER IS)
ARETHA FRANKLIN – RESPECT
AMY WINEHOUSE – LOVE IS A LOSING GAME
OS MUTANTES – BABY

(PS: A coluna se recusa terminantemente a botar um link para Os Mutantes com aquela nova vocalista)

Battles em grande show

2007-11-22T09:40:00.000-08:00

Parece apropriado recorrer à imagem que Lúcio Ribeiro invocou (“alguém definiu”) para dar uma idéia do som do Battles, que fez show ontem na Clash: “um experimento biomecânico”. O resultado é um caldeirão de referências poderoso e impactante.

Nova-iorquinos até a medula, guardam certa semelhança com duas das bandas que têm feito mais barulho por lá (e por aqui, já que ambas tocaram em SP este mês): The Rapture e LCD Soundsystem. Certa semelhança, uma vez que o Battles aposta em um caminho diferente, de paladar mais difícil – ainda que igualmente saboroso.

O som é essencialmente instrumental, pontuado por vezes pelos vocais eletronicamente manipulados do guitarrista/tecladista Tyondai Braxton. Um universo mais dançante mas ainda assim marcadamente ligado ao passado musical da cidade: Suicide, DNA, Sonic Youth... Também dialoga com gente como os franceses do Magma e a turma do Krautrock, como Can e Cluster. O Battle é a radicalização de muitas das propostas apontadas por esse pessoal.

O álbum de estréia, Mirrored, foi lançado em maio, embora EPs já circulem desde 2004. A demora deve-se muito à apertada agenda de seus integrantes em outros projetos: o guitarrista/tecladista Ian Willians toca no Don Caballero e no Storm & Stress, o baterista John Stanier no Helmet e no Tomahawk e o guitarrista David Konopka no Lynx.

É um dos grandes discos do ano, com belas canções como Atlas, Prismism e Rainbow. Sua audição, porém, não consegue transmitir o que é a banda em ação no palco. Ian e seus amigos parecem estar o tempo todo se divertindo muito com tudo aquilo, e realmente acreditam no som que fazem. Uma dose cavalar de honestidade e do espírito libertário e subversivo que fazem o rock’n roll ser o rock’n roll.

(Foto: Reprodução/underexposed.org.uk)

Chove lá fora e aqui... Let's dance!

2007-11-16T05:25:00.000-08:00

Os irmãos Gallagher já diziam que “nobody ever mentions the weather can make or break your day”. Como antídoto para essa chuva cretina que insiste em tornar a cidade maid cinza, nada melhor do que uma pista de dança. Escolha a sua balada favorita e vá ser feliz.

Em clima de meio de feriado, a coluna sugere um pequeno set list para você esquentar o espírito antes de chacoalhar entre dezenas de franjas, blusas de oncinha e cintos de rebite. Escolha bem, para não cair em algum lugar onde o DJ parece não saber que existe vida além de Placebo, Smiths e Killers.

Um pouco de tudo: o que tá pegando, all time classics, alguns xodós e um pouco do que rolou de melhor por aqui nos últimos dias. Enjoy!

DEVO – THAT’S GOOD
LCD SOUNDSYSTEM – US V THEM
CSS – FUCK OFF IS NOT THE ONLY THING YOU HAVE TO SHOW
OK GO – DO WHAT YOU WANT
YEAH YEAH YEAHS – DATE WITH THE NIGHT
LIARS – PLASTERS CASTS OF EVERYTHING
LETHAL BIZZLE – POLICE ON MY BACK
BEASTIE BOYS – NO SLEEP TILL BROOKLYN
DIZZEE RASCAL – STAND UP TALL
TONES ON TAIL – GO!

I could have danced all night

2007-11-14T06:20:00.000-08:00

O clichê já foi usado à exaustão, mas o show de ontem no Via Funchal mostrou (mais uma vez, segundo os que já os viram por suas passagens por aqui) que se realmente quem sabe faz ao vivo, o LCD Soundsystem sabe – e muito. Com uma apresentação tecnicamente impecável, os nova-iorquinos liderados pelo lacônico vocalista James Murphy fizeram o público dançar e impressionaram pela força de sua performance.

O show foi crescendo de intensidade, teve direito a charminho para o bis e terminou com a linda e dolorida New York I Love You But You're Bringing Me Down. Hits como Daft Punk Is Playing At My House e Tribulations foram acompanhados por um grande coral a plenos pulmões. No finzinho rolou até o belíssimo cover de Joy Division, No Love Lost, que saiu em single recentemente.

Murphy já disse em diversas entrevistas que “a música não precisa ser original, mas sim boa”. Isso sintetiza em parte o universo da banda; não totalmente, pois seria um erro crasso dizer que tudo ali seja emulação. O LCD tem um som particular, com marcas próprias, ainda que suaves. Mas as referências são claríssimas, e o grupo as assume abertamente como ponto de partida para a criação: Depeche Mode, Joy Division (ouça as linhas de baixo!), New Order, The Fall, Sonic Youth, Front 242, A Certain Ratio...

De certa forma, é como uma tela de Arcimboldo: pode-se distinguir todos os legumes e frutas, mas o que se vê é um rosto. Essa costura sonora de referências resulta em canções dançantes e profundamente envolventes, líricas. A absoluta segurança dos músicos no palco (destaque para o baterista Pat Mahoney) contribui para essa atmosfera de verdadeira “experiência” que o show tem – um efeito parecido com o que os também nova-iorquinos do The Rapture obtêm.

E além de tudo são bem humorados: em um de seus sites, definem que sua música soa como “discos que você costumava odiar mas são tipo legais agora que você os ouviu anos depois da casa de seus amigos”, “sanduíche sem muita carne ou coisas dentro” e “coisa gay”.

Perdeu o show? Ouça os discos. Eles vão demorar para sair do seu som.

(Foto: NY, março de 2007. Reproução/lcdsoundsystem.com)

Um viva ao instinto aranha!

2007-11-13T11:48:00.000-08:00

Peter Parker? Nada disso! Ele se chama Riquelme Wesley dos Santos, tem 5 anos de idade e mora em Palmeira, SC. Na última sexta-feira ele entrou em uma casa em chamas e resgatou a pequena Andriele, filha da vizinha, de 1 ano e 10 meses, que estava em um berço. Já se cria certa mitologia em torno do episódio: há quem jure que o menino gritou “Eu sou o Homem Aranha!” antes de correr para dentro da casa – sim, ele vestia uma fantasia do herói.

Em homenagem a esse nosso pequeno super-herói, a coluna tira do baú a elétrica versão que os Ramones fizeram para o tema de Spiderman, de Robert Harris e Paul Francis Webster. Os quadrinhos de Stan Lee e Steve Ditko surgiram em agosto de 1962 e exerceram fascínio em milhões de pessoas desde então. Seu prestígio permanece em alta até hoje, em que superproduzidos filmes arrastam legiões de fãs ao cinema.

Janeiro de 1995: um mês numa fase que poderia ser considerada "esquisita" para a banda, que terminaria em agosto do ano seguinte. Joey havia descoberto o câncer que o liquidaria em 2001. O clima era péssimo entre os Ramones, que começam a gravar seu último álbum de estúdio: ¡Adiós Amigos!, lançado em 18 de julho.

Spiderman apareceu como faixa escondida de um disco que contém algumas das belas canções do grupo, como She Talks To Rainbows, o cover de I Don’t Wanna Grow Up, de Tom Waits, e seis canções do ex-baixista Dee Dee, que faz uma participação em alemão, gravada por telefone, na sua Born To Die In Berlin. A versão para o tema do desenho apareceria também em Greatest Hist Live, do ano seguinte, gravado no último show que a banda fez em Nova York, em 29 de fevereiro de 1996.

Os Ramones imprimem a essência de sua marca pessoal para um tema tão querido pelos fãs dos desenhos e filmes da série. Dura 2m04s, numa pegada rápida e frenética. O clipe mistura imagens do desenho animado, tomadas da banda no telhado de um prédio em Manhattan e algumas cenas em estúdio – das quais participa a então jovem atriz Drew Barrymore. Nele já se vê os Ramones já marcados por tantos anos de estrada.

A gravação saiu oficialmente também naquele ano no excelente álbum Saturday Morning - Cartoons' Greatest Hits, com versões descoladas para temas clássicos de desenhos animados. Entre os outros achados do disco estão Sugar Sugar, com Mary Lou e Semisonic, Underdog (que acabou de virar filme), com os Butthole Surfers, e a dobradinha Johhny Quest/Stop That Pigeon, com ninguém menos que a lenda do psychobilly Reverend Horton Heat.

(Fotos: Reprodução/yahoonoticias.com.br e capas)

Notícias do Planeta Terra

2007-11-12T05:26:00.000-08:00

A coluna esteve no Planeta Terra e acompanhou alguns dos shows. Começou no main stage com 20 minutos de Lilly Allen, que, apesar de simpática e de pilequinho, entrou morna e sem graça. Por esse início, não pareceu estar à altura da reputação que lhe é imputada. Não animou.

De lá, caminhada para o indie stage para ver o Cansei de Ser Sexy. E os brasileiros mais londrinos do festival cumpriram as expectativas. Com um set list poderoso, botaram o público – do qual boa parte conhecia bem as músicas – para dançar e tocaram até música nova. Deixou uma torcida no ar para que não demorem mais um ano e meio para cruzarem o Atlântico novamente.

De volta ao palco principal, foi a vez do Devo (foto)mostrar que não é a cor dos cabelos que define o quão rock’n roll se pode ser. Destilaram hit atrás de hit (a coluna só sentiu falta de um dos grandes, Working in the coal mine), conversaram, dançaram, fizeram suas coreografias robóticas e mongolóides e jogaram diversos objetos na platéia, de chapéus a bolinhas e parte de suas roupas. Deu para constatar como suas críticas, muitas delas já com mais de 20 anos, permanecem atualíssimas (ou ainda mais que então, se bobear). Foi o grande show da noite.

Corrida para o indie stage, para tentar pegar o finzinho da apresentação do The Rapture. Foi o tempo de ouvir três músicas, o suficiente para mergulhar no universo sonoro da banda e ficar com vontade de ver muito mais. Oxalá a organização do ano que vem tenha um mínimo de bom senso na hora de montar a grade de programação.

Para encerrar, os ingleses do Kasabian subiram ao main. Cheios de pose, fizeram um show que, se não foi ruim, também não teve nada de memorável. O público pareceu só pegar fogo mesmo no bis – algo errado, não? Impressionante como a banda soa menor no palco do que em seu ótimo disco de estréia, Kasabian, de 2004. Seria melhor se o vocalista Tom Meigham (foto ao lado) não tentasse imitar Liam Gallagher a cada instante.

Fica a sugestão para que o Terra faça um workshop (grandes empresas adoram esses termos, que são o ápice do hype para o RH) com o pessoal da TIM, já que o maior atraso que a coluna enfrentou foi o do Kasabian, de..... 12 minutos (além de limpeza, conforto e absoluta inexistência de filas). E, depois, freqüentem algumas aulas de física, já que shows como o do Devo e o do Rapture não podem acontecer ao mesmo tempo.

(Fotos: Reprodução/planetaterra.com.br)

She's got it, yeah baby, she's got it

2007-11-09T05:44:00.000-08:00

Quer tentar chutar quem foi a mulher mais bem colocada na lista dos mais cool de 2007 da revista inglesa NME? Se o seu palpite foi Amy Winehouse, pena. Não, também não é Oprah Winfrey. Senhoras e senhores, tem Brasil no pódio. Abram alas, pois sua majestade canta amanhã em São Paulo. É Lovefoxx, do Cansei de Ser Sexy, que ficou em terceiro lugar.

No topo da lista (numa escolha que está gerando certa polêmica) está Frank Carter, vocalista do Gallows, o que mostra que o punk anda com boa moral por lá – e num som bem pesado. Logo em seguida está Jamie Raynolds, do Klaxons, que ano passado ocupava a 13a posição.

A “medalha de bronze” que a moça arrebatou é mais uma prova de que o CSS foi, viu e venceu. “Three XXXs, two catsuits, one fiancé, zero holiday time” (“Três XXXs, dois colantes, um noivo, zero de tempo de férias”, numa tradução pra lá de livre) – assim a revista a definiu.

Amanhã o CSS sobe a um dos palcos do Planeta Terra para desfiar seus hits über-dançantes, cheios de guitarras distorcidas, sons eletrônicos e letras cínicas. Graças à genial organização do evento, está programado para começar seu show meia hora depois da descolada-queridinha-fenômeno Lily Allen (que, por sinal, não está na lista), o que fatalmente dividirá parte do público.

Não deixe de vê-los. Quem já os viu por aqui sabe do que são capazes em shows. Depois de tanto tempo na gringa, então, só tendem a estar mais maduros e seguros de si. É uma boa chance para tentar descobrir o que há de tão cool em Lovefoxx. Até porque, pelo jeito, sabe-se lá quando eles voltam a tocar por aqui.

Os dez primeiros entre os 50 da lista:

1) Frank Carter – Gallows
2) Jamie Reynolds – Klaxons
3) Lovefoxxx – CSS
4) Ryan Jarman – The Cribs
5) Lethal Bizzle
6) Alex Turner – Arctic Monkeys
7) Kate Nash
8) Amy Winehouse
9) Beth Ditto – The Gossip
10) Keith Richards – The Rolling Stones

PS: Detalhe para a ótima posição na lista do bigode de Brandon Flowers, que ficou em 18º lugar, desbancando gente como Matt Belamy, do Muse (que lidera a eleição entre os leitores), Karen O, do Yeah Yeah Yeahs, Meg White, Pete Doherty e o próprio Brandon, que ficou em 44º lugar. Bom saber que o Monthy Python está mais vivo do que nunca no coração – e no humor – dos ingleses.

(Foto: Reprodução/csshurts.com)

Memória de uma inundação

2007-11-08T12:37:00.000-08:00

Inglaterra, 1987. A música eletrônica chegara em peso para ferver os clubs, e o rock sofria os efeitos desse impacto. Seis anos antes, estreara nos Estados Unidos a MTV, revolucionando os modos de a difusão (e conseqüentemente de produção) da indústria fonográfica. As rádios tocavam The Cure, Echo & The Bunnymen, Bauhaus... Algo de importante estava acontecendo.

Naquele ano a gravadora Elektra lançou Floodland, segundo álbum (e, com o tempo, seu campeão de vendas) dos Sisters of Mercy. São dez canções, começando com o díptico Dominion/Mother Russia. Na época, a simples audição dessa faixa já foi suficiente para que muitos dos fãs da banda percebessem que havia algo de diferente no som dos Sisters. Isso, porém, não foi nenhuma surpresa.

Nos meses que antecederam as gravações, três dos quatro integrantes da banda saíram: os guitarristas Gary Mark e Wayne Hussey e o baixista Craig Adams. Restou o vocalista e mentor Andrew Eldritch, que tocou o projeto daí pra frente (após várias brigas na Justiça). Para este disco, juntou-se a ele a baixista Patricia Morrison. A bateria já estava a cargo de Doktor Avalanche – uma mala. Literalmente: era uma bateria eletrônica, carregada em uma pesada maleta.

As músicas de Floodland não apresentam a inquietude do álbum anterior, First And Last And Always, de 1985. Soa menos dançante, e mais místico, fluido. A capa do disco parece apontar um caminho para a compreensão do som da banda naquele momento. Estão nele alguns dos clássicos dos Sisters, como Lucretia My Reflection, 1959 e Flood I e II.

A pièce de résistence é This Corrosion, que chegou ao topo das paradas americanas. Após uma eletrizante abertura cantada pela New York Choral Society, Eldritch empresta seus vocais rasgados para uma das mais ferinas criações dos Sisters. Em certa medida, esta música prenuncia o caminho que a banda tomaria cinco anos depois ao regravar Temple of Love com a cantora árabe Ofra Haza.

Ao quebrar os parâmetros do disco anterior, os Sisters apontam em Floodland o projeto que vão levar à maturidade sonora do álbum que aparece três anos depois, Vision Thing. Verdadeiro documento histórico.

(Fotos: Reprodução)

Eu acho que vi um gatinho

2007-11-07T09:35:00.000-08:00

Os Liars já não são novidade há algum tempo para quem está de olho no que acontece lá fora. Nasceram em 2000, numa Nova York em que surgiram as bandas responsáveis por muitas das músicas que pautaram as pistas de dança dos últimos anos, como The Strokes e Yeah Yeah Yeahs.

Eles são produto da linhagem mais eletrônica que tomou o punk, depois da revolução perpetrada pela turma de Suicide, DNA e Sonic Youth. Ao mesmo tempo, têm uma atmosfera por assim dizer mais dançante, ligação direta com o cenário “pós-punk” inglês na virada da década de 1970 para 80, como Gang of Four e A Certain Ratio.

Pois o trio está de clipe novo no pedaço. É Houseclouds, segunda das 11 faixas do álbum Liars, lançado em agosto. Dirigido por Sonny Gerasimowicz, é prova do humor fino, ácido e sarcástico da banda.

Algo peculiar do som dos Liars vem do fato de que a veia punk de seus integrantes é muito forte, e isso tem implicações fundamentais na maneira em que eles usam a eletrônica em sua música. Se por um lado a base é a rigidez rítmica de batidas próprias da eletrônica, as canções não deixam de ter uma linha melódica clara mais próximas do rock, digamos, “tradicional”.

Recomendações veementes para o álbum, um dos melhores de 2007.

(Foto: Joe Dilworth/liarsliarsliars.com)

Os Arctic Monkeys e a essência do sonho

2007-11-06T10:34:00.001-08:00

A Certain Romance
(Arctic Monkeys)

Well oh they might wear classic Reeboks
Or knackered Converse
Or tracky bottoms tucked in socks

But all of that's what the point is not

The point is thats there ain't no romance around there

And there's the truth that they can't see

They'd probably like to throw a punch at me

And if you could only see them, then you would agree

Agree that there ain't no romance around there

You know, oh it's a funny thing you know

We'll tell 'em if you like

We'll tell 'em all tonight

They'll never listen

Because their minds are made up

And course it's all okay to carry on that way

And over there there's broken bones

There's only music, so that there's new ringtones

And it don't take no Sherlock Holmes

To see it's a little different around here

Don't get me wrong, oh there's boys in bands

And kids who like to scrap with pool cues in their hands

And just cause he's had a coupla cans

He thinks it's alright to act like a dickhead

Don't you know, oh it's a funny thing you know

We'll tell em if you like

We'll tell em all tonight

They'll never listen

Because their minds are made up

And course it's all okay to carry on that way

But I said no! Oh no!

Well, you won't get me to go!

Not anywhere, not anywhere

No, I won't go

Oh no, no!

Well over there there's friends of mine

What can I say, I've known 'em for a long long time

And they might overstep the line

But you just cannot get angry in the same way

No not in the same way

Well not in the same way

Oh no, oh no no

Eis uma das grandes canções da segunda metade da década. A Certain Romance fecha o primeiro álbum dos Arctic Monkeys, Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, lançado em 23 de janeiro de 2006. A peculiaridade histórica é que quando o disco saiu os Arctic já eram amplamente conhecidos dentro e fora da Inglaterra, com os dois compactos lançados em primeiro lugar nas paradas, com quase 40 mil cópias vendidas cada. O principal meio de divulgação até ali? A internet (o que não impediu que ele fosse um sucesso estrondoso de vendas).

O som da banda é veloz, vigoroso, agressivo, juvenil. Há momentos de calma, mas a tônica geral é a impetuosidade. A Certain Romance aparece para encerrar o disco com um ar de serenidade, talvez resignação. De uma certa forma, age de forma análoga ao que representa A Day In The Life para o Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, ou Champange Supernova para (What’s the story?) Morning Glory. São canções que têm algo de etéreo, parecem deixar algo pairando depois que o CD pára de tocar.

Musicalmente, representa uma espécie de síntese das possibilidades sonoras do grupo. Começa forte, com uma bateria marcial, e explode num som denso, de muita guitarra. Após uma sucessão de quebras rítmicas, um doce diálogo entre as guitarras, quase que simplesmente comentado pelo resto da banda. Aí é que chega a base melódica propriamente dita, com uma levada ska tranqüila, que flerta com The Libertines, e talvez mais discretamente com The Clash e The Jam.

Quase que paradoxalmente, a canção é absolutamente espontânea. Vendo os garotos – estão todos na fase dos 20 e poucos – tocando tem-se a impressão de que aquilo, para eles, é a coisa mais natural do mundo, quase algo fácil.

O vocal as british as it gets de Alex Turner dá um ar rasgado para versos que falam, no fim das contas, sobre a essência do rock’n roll. E o que ele está falando é muito sério: é a dor de viver em meio à ausência de romance. Essa falta dói, e muito. Não à toa, é a música favorita entre a banda para encerrar também seus shows. O impacto é fundo – o Anhembi parecia estar de alguma forma encantado após a saída deles do palco, na madrugada de segunda-feira. Sob uma lua monumental, parecíamos estar todos acolhidos dentro de algo maior, que unia todas aquelas pessoas.

Talvez esteja aí uma pista importante para entender o fenômeno que é o Arctic Monkeys (a despeito, evidentemente, da qualidade inegável de sua música e de todas as explicações “midiáticas” da coisa). No fundo, eles são a concretização perfeita do sonho de cada um de nós acalenta na adolescência e na passagem da vida adulta quando compramos algum instrumento e montamos uma banda de rock. Eles ganharam os seus no Natal de 2001. E agora estão aí – exatamente onde desejávamos estar ao aprender velhas canções dos Stones para o festival do colégio.

(Foto: Reprodução/newsday)

Play that funky music, white boy!

2007-11-05T09:04:00.000-08:00

Um dos filmes mais engraçados dos últimos tempos tem uma das melhores trilhas sonoras dos últimos tempos. É Superbad – que aqui ganhou o aposto kitsch “É hoje!” –, de Greg Mottola, com roteiro de Seth Rogen e Evan Goldberg. Impossível imaginar aquelas cenas sem o sacolejante funk que invade o cinema.

Não é pra menos. As canções que foram compostas especialmente para o filme são de autoria de um tarimbado produtor, Lyle Workman, e ficaram a cargo de ninguém menos do que William "Bootsy" Collins. Sim, ele mesmo, o homem que foi baixista de George Clinton e está por trás de um dos hits que efetivamente fizeram os anos 1990: Groove is in the Heart, de Deee Lite.

E ainda sobra espaço para Curtis Mayfield, The Bar-Kays, Jean Knight e até Sérgio Mendes & Brasil 66. As dancinhas no cinema são inevitáveis, nem que sejam discretas pisadas ritmadas de pé ou leves movimentos de cabeça.

A trilha de Superbad tem a virtude de tanto cumprir sua função, digamos, “utilitária” no filme como também se sustentar sozinha. É um CD para se ter no carro e usar em caso de crises agudas de nostalgia, viagens no tempo e fugas da polícia.

(Foto: Divulgação/Sony Pictures)

Pergunta!

2007-11-03T12:11:00.001-07:00

The Killers está para o Queen assim como o Oasis está para os Beatles?

(Foto: Reprodução)

O No Wave e os porões novaiorquinos

2007-11-02T09:37:00.000-07:00

Nova York faz parte de um seleto grupo de cidades, como Londres e Paris, em que o ar parece ter algo de elétrico. Uma caminhada (ou um olhar sobre o noticiário cultural) basta para se ter a sensação de que tudo está acontecendo ali, naquele instante. E as coisas realmente estão acontecendo.

O documentário Kill Your Idols, do diretor Scott Crary, registra o surgimento e a ascensão do No Wave, no final dos anos 1970. Havia algo de revolucionário naqueles porões esfumaçados da Big Apple. O CBGB & OMFUG, na esteira do Max’s Kansas City, começara a abrir o caminho já há algum tempo. 1977 foi um ano mítico, com mais de uma dezena de discos fundamentais da história do rock. Era natural que aquilo tudo explodisse.

Uma narração clara se apóia em depoimentos de praticamente todos os personagens importantes e em preciosos registros de apresentações. Desde o início, com Suicide, Teenage Jesus and The Jerks e DNA, passando por Sonic Youth e Swan e desembocando em Yeah Yeah Yeahs, Liars e Gogol Bordello.

Assistindo ao documentário, só nos resta imaginar como deve ter sido fantástico morar em Manhattan nessa época e poder ver esses shows no club da esquina de casa. Isso sem contar os shows de Ramones, Iggy Pop, Blondie e Talking Heads, as exposições de Andy Warhol, Pierre Boulez e Zubin Mehta à frente da Filarmônica e Spike Lee filmando pelo Brooklyn.

Pode-se encomendar o DVD nas grandes lojas gringas do ramo. Também não é difícil encontrar um link para baixá-lo; dependendo de sua posição filosófica sobre a pirataria, pode ser um caminho mais rápido.

(Foto: Reprodução/imdb)

Hendrix no 220

2007-11-01T20:40:00.001-07:00

Quem decide gravar um cover de alguma canção de Jimi Hendrix já enfrenta de saída um referencial de peso nas comparações que sempre são feitas: o precioso legado de gravações do próprio. Jimi é, antes de tudo, um guitarrista – para muitos, o maior de todos. O desafio para o intérprete passa a ser o de recriar de forma substancial o objeto original.

Fãs declarados de Hendrix (reiteraram isso em diversas entrevistas), os californianos descamisados do Red Hot Chili Peppers escolheram como nona das 13 músicas de seu álbum Mother’s Milk, de 1989, um de seus grandes clássicos: Fire, do disco de estréia Are You Experienced, de 1967. Amparado por seus fiéis escudeiros, o baixista Noel Redding e o baterista Mitch Mitchell, Jimi desfia um riff poderoso, uma letra rápida e agressiva e um refrão contagiante.

Mother’s Milk é o quarto disco do RHCP, primeiro com John Frusciante na guitarra, substuindo Hillel Slovak, morto por overdose (a canção Knock me down é dedicada a ele). O álbum também trouxe outro cover importante, Higher Ground, de Stevie Wonder. Traz na biografia o fato de ter sido o primeiro disco de ouro recebido pelo grupo.

A versão dos Peppers (aqui há o registro em um show na Finlândia, em 1988) explora o potencial da banda como organismo uno. O ritmo é bem acelerado, o que confere à canção um certo ar heavy metal. Chad Smith soa violento como em poucas outras ocasiões. O baixo de Flea, elegante e funkeado, ocupa um lugar mais central do que o de Redding na versão original. Frusciante é discreto em suas intervenções e solos, mostrando deferência ao mestre. E o vocal de Kiedis foi mixado com um forte eco, criando uma sonoridade espacial, difusa.

Num momento inspirado, a banda conseguiu aliar respeito a uma obra sagrada e a impressão de sua identidade própria. A canção ganha outro caráter, à luz de aspectos que são ressaltados na nova versão; o discurso que está sendo cantado fica mais impositivo, ousado, feroz. Uma bela homenagem.

(Fotos: Reprodução)

Dance like no one's watching

2007-10-31T12:22:00.000-07:00

A organização do festival Planeta Terra deveria ganhar o prêmio de burrice do ano após programar suas maiores atrações para palcos diferentes e – obra de gênio – horários conflitantes. Chega a dar vontade de boicotar, só de lástima. Mas essas idéias passam logo. Afinal, oh, não! É o Devo.

Ok, vêm também The Rapture (que fez show memorável no Rio em 2003), Kasabian, Lily Allen, Cansei de Ser Sexy e mais alguns “etc”. Mas o festival tem dono. São os esquisitões de Akron, Ohio, e seus capacetes vermelhos (que podem ser comprados na loja do site, bem como bonequinhos da banda e outros itens de memorabilia). O Devo não quer ser cool. O Devo definiu os parâmetros do que é ser cool.

Whip it é um dos cânones da história do videoclipe, e influenciou dezenas de outros. Não está longe de completar 30 anos de idade, e ainda é sinônimo de ironia e ousadia. Não é o único grande vídeo da banda, que ainda tem, entre outros, Are you experienced? e Satisfaction (o cover favorito de Mick Jagger para esta canção). É raro uma música cair tão bem em uma trilha sonora como foi o caso de Working in the coal mine, no desenho Heavy Metal, de Gerald Potterton e Jimmy T. Murakami, em 1981.

O Devo, que despontou como a estrela-mor do movimento new wave nos anos 1980, era a antítese perfeita dos Estados Unidos da Guerra do Vietnã e de Ronald Reagan. Basta olhar para a banda: o visual cyber-vintage diz muito sobre o papel que a ficção científica desempenhava no imaginário yankee da época.

Quer entender de onde vêm Arctic Monkeys, Franz Ferdinand e outros figurões dessas novas gerações de roqueiros? Bote para tocar discos como Oh, No! It’s DEVO, Shout e Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! A influência é clara tanto no som como na postura irônica, cheia de desfaçatez. Devo é a prova de que crítica e atitude podem ser companheiras de diversão.

Se a estrutura do evento colaborar, deve ser um show para dançar do início ao fim. É possível que haja momentos de nostalgia, lembranças de um ou mais filmes na Sessão da Tarde. Certeza de muitos chapéus tubulares vermelhos no público. Devo não tem fãs, tem seguidores. E eles pulam bastante.

(Fotos: Reprodução/devoclub.com)

30 anos de um clássico punk

2007-10-30T15:12:00.001-07:00

1977 foi um grande ano para os Ramones. Lançaram o álbum Leave Home, gravaram (no dia 31 de dezembro) o material que seria lançado dois anos depois em It’s Alive, excursionaram pela Europa e pela América do Norte. Como se não bastasse, fizeram shows com Deus-Ele-Mesmo-Em-Pessoa, Iggy Pop (que, em 77, lançou dois álbuns históricos: The Idiot e Lust for Life). A história do rock agradece especificamente, porém, pelo álbum que a banda lançou em novembro daquele ano: Rocket to Russia.

Com 14 canções distribuídas em inacreditáveis 31 minutos e 55 segundos, o terceiro disco dos Ramones era um soco na cara. Flertava descaradamente com a surf music – é aqui que está o famoso cover de Surfin’ Bird –, estabelecendo uma ponte entre a agressividade do álbum anterior e a atitude mais séria do seguinte, Road to Ruin, de 1978.

É uma sucessão de preciosidades, do início ao fim. Destaque para alguns dos maiores clássicos da carreira do grupo, como Rockaway Beach, Sheena is a Punk Rocker e Teenage Lobotomy. Outra versão famosa também está aqui: Do you wanna dance?.

Rocket to Russia é o preferido de muitos fãs dos Ramones. Talvez por sua absoluta concisão, talvez pelo misto de violência e de uma certa atitude não-estou-nem-aí, é uma das jóias da coroa da discografia punk. O som é rápido, direto, e a própria capa não deixa dúvidas sobre as intenções daqueles caras cabeludos, de jeans rasgados e jaquetas de couro.

Passados trinta anos de seu lançamento, o disco não envelheceu sequer um dia. Nasceu um clássico, e de saída ganhou imortalidade. Ele ecoa hoje, tanto quanto em 1977, como um grito de resistência num mundo cada vez mais míope e carente de sentido. Aquele one-two-three-four soa e sempre soará como uma dose de adrenalina injetada direto na veia.

(Foto: Reprodução)

O canto do cisne

2007-10-29T20:05:00.000-07:00

Sejam mais ou menos moralmente defensáveis, fato é que as ironias têm um charme especial. Não fosse uma prosaica crise de labirintite a abater a doce Feist, deixando-a de cama em solo canadense, este que vos escreve não teria o privilégio de ter assistido a momentos de verdadeira magia. Ladies and gentlemen, Mrs. Chan is in the room.

Cat Power é amor da cabeça aos pés. Sua voz dilacerante veste as canções com intimidade de velhos amigos, esbanjando uma honestidade que torna os ouvintes em cúmplices instantaneamente. No palco, os efeitos são ainda mais devastadores: Cat é magnética. O tempo parece parar para ouvi-la, envolvente sob um fiel foco de luz.

Cegamente apaixonados, somos conduzidos por sua candura para uma armadilha fatal. A beleza daquelas canções é tão grande que por alguns instantes esquecemos que estamos contemplando nossa própria miséria. Tom Waits, Jagger & Richards, Billie Holiday – estão todos ali. Cat cala tão fundo porque canta a nossa dor. A piedade do exotismo volta-se contra nós mesmos, no mesmo grau de intensidade que mede nosso pretenso distanciamento hipócrita.

Brilhantemente escoltada pela irretocável Delta Blues Band, Cat, tal qual uma Alice num road movie, nos guiou pela mão por um intenso e afetivo passeio pela nata do blues. Chamou o público para perto de si e elevou a todos como num passe de mágica. Algo próximo de uma comunhão religiosa, um contato com o sagrado.

A beleza era tanta que parecia ameaçar sufocar a platéia. Acontecesse ali uma catástrofe, todos morreriam felizes, em êxtase. Por algumas dezenas de minutos, Cat fez a vida ser algo a ser agradecido. Uma noite para não se esquecer jamais.

(Foto: Reprodução)